Alice traverse le miroir

Texte de Camila Djadja

Alice traverse le miroir est un spectacle créé par Emmanuel Demarcy-Mota et Fabrice Melquiot dans la continuité de leur précédente création, Alice et autres merveilles. Le spectacle fut d’abord joué de décembre 2019 à janvier 2020 à l’Espace Cardin, en parallèle à une exposition intitulée Laterna Magica, qui renvoie aux origines du cinéma et à l’objet magique grâce auquel une image projetée devient un espace de rêve. Ce deuxième spectacle est né du souhait de Demarcy-Mota d’approfondir son travail autour du personnage d’Alice, inspirée de Lewis Carroll, en imaginant sa rencontre avec d’autres héroïnes de la littérature, qui pourraient être ses « descendantes ». Ainsi apparaissent dans la pièce Dorothy du Magicien d’Oz de Frank Baum et Zazie inspirée du roman Zazie dans le métro de Raymond Queneau. Ce spectacle a donc été créé sous le triple signe du théâtre, de la littérature et du cinéma.

Alice traverse le miroir aurait dû être repris en décembre 2020 au Théâtre de la Ville, mais le couvre-feu et la non-réouverture des salles de spectacles ont rendu ces représentations impossibles, comme l’indique Demarcy-Mota dans les premières lignes du programme. Lui et sa troupe ont décidé de réagir à ces nouvelles restrictions et de tenter de réinventer leur création à partir de la contrainte. Ils vont donc proposer une série de « directs », représentations jouées devant une salle vide, filmées et retransmises en direct pour des spectateurs devant leurs écrans. Diffusée l’après-midi du 31 décembre 2020, la retransmission d’Alice traverse le miroir que nous étudierons, fait partie d’un corpus plus large de directs initiés par Demarcy-Mota comme une réponse à la crise sanitaire dans le but de maintenir le lien avec le public. Nous verrons d’abord le dispositif de cette représentation en direct, qui repense le lien du théâtre avec le cinéma et promène Alice dans des réalités différentes où le miroir est aussi écran et projection. Ensuite, nous tenterons de comprendre comment cette pièce s’inscrit dans un projet plus vaste, celui d’Emmanuel Demarcy-Mota, de son équipe, et du Théâtre de la Ville, témoignant de la nécessité de réinvention du monde du spectacle pour rester vivant.

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Le spectacle commence dans les coulisses. La caméra filme les loges où les acteurs se préparent. Ils s’adressent aux spectateurs, face-caméra, et leur souhaite une bonne année 2021. Certains précisent que ce n’est pas courant de se retrouver là, au théâtre, avec la troupe, le 31 décembre. La caméra se balade dans les coulisses de l’Espace Cardin et passe de loge en loge, en montrant également les techniciens qui nous saluent à travers l’objectif. Ainsi, après seulement quelques minutes de cette représentation « en direct », nous comprenons qu’il s’agit d’un format atypique, que les codes classiques du spectacle vivant sont remis en cause, pas seulement par notre manière de visionner la pièce, soit le dispositif du direct, mais aussi parce que la mise en scène s’accorde à ce dispositif, l’exploite et le désigne dès les premières minutes en lui donnant toute son importance. Ensuite, nous assistons à un bref discours du metteur en scène, Emmanuel Demarcy-Mota, qui revient sur la spécificité de cette année 2020, notamment pour le spectacle vivant, et conclut par cette phrase : « Bon voyage au pays du théâtre ». En effet, Alice traverse le miroir fonctionne comme un voyage.

Le spectacle retransmis en direct est porté par un dispositif filmique inventif. On comprend très vite que le montage a un rôle important dans cette captation, les échelles de plan qui oscillent entre gros plans et plans larges, l’utilisation d’effets cinématographiques comme le panoramique, la surimpression, ou même l’utilisation régulière de fondus enchaînés. Il y a un réel travail de réalisation, grâce à la présence de plusieurs caméras et d’une régie (que l’on aperçoit à la fin du spectacle). Ce dispositif du direct qui emprunte au cinéma, redéfinit le spectacle vivant, notre manière d’y accéder, de le consommer et surtout de le regarder. Le regard du spectateur est tout à fait remis en cause. Tout d’abord, à travers ce dispositif, nous voyons seulement ce qui nous est montré. Contrairement au spectateur de théâtre traditionnel qui a devant ses yeux l’ensemble de l’espace de la représentation, ici, l’image occulte parfois une partie du décor, un personnage… Mais surtout, dans certains plans, il nous est impossible de voir l’espace scénique, ce qui nous plonge dans un univers intermédiaire, entre le cinéma et le théâtre. Il est évident que les mises en scène contemporaines réfléchissent également à orienter le regard chez le spectateur, grâce aux effets de lumière, aux sons… Mais à travers notre écran, le regard du spectateur mute, il perd peut-être de sa liberté mais accède à des mondes invisibles dans un dispositif standard. Il se rapproche des personnages à l’aide de zoom et de gros plans, efface la scène du champ de vision et plonge dans l’univers d’Alice.

On le sait, le spectacle a d’abord été présenté en parallèle d’une exposition nommée Laterna Magica. Alice traverse le miroir utilise très largement le dispositif de la projection. En effet, on retrouve en fond de scène le miroir d’Alice sur lequel sont projetés des mondes imaginaires, réalités diverses traversées par les personnages. Le miroir d’Alice se métamorphose donc en écran. On trouve dans ces projections des références directs aux premiers films de Méliès, inventeur des trucages et magicien des débuts du cinéma, notamment au célèbre Voyage dans la lune datant de 1902, mais aussi à l’univers visuel de Bob Wilson, et notamment à son Peter Pan. Le spectacle développe ainsi un lien intime avec le procédé cinématographique grâce à ces projections qui font surgir le merveilleux par les moyens primitifs du cinéma.

Le jeu avec l’écran prend tout son sens dans cette œuvre où Alice, jeune amazone, traverse des mondes et des réalités différentes suggérées par ces projections. En effet, ici l’écran est aussi le miroir, il est donc l’espace du rêve et de l’imaginaire, ces « mondes inconnus du pays du théâtre »[1]. Demarcy-Mota l’écrit dans le programme de la pièce :

« Le rêve […] est au cœur des questions inventées par Lewis Carroll pour De l’autre côté du miroir : qui rêve ici ? Qui est dans le rêve de qui ? Dans l’histoire de qui ? Peut-être que tout le monde rêve depuis qu’Alice a fait face à son reflet avant de le traverser ? Peut-être qu’ici nous voyageons successivement dans les rêves de chacun. Alice dans celui de Dorothy ? Dorothy dans celui de Zazie ? Tous dans celui de Rose qui rêve de la rencontre avec ces trois héroïnes ? Ou bien le rêve de chaque spectateur immobile ? Tels sont certaines des énigmes que j’ai cherché à mettre en scène ici, en évitant absolument de les résoudre, désireux de laisser chaque spectateur sur la crête de son imaginaire, ne répondant qu’à la seule logique – inatteignable – du rêve. »[2]

On peut penser à cette formule prononcée par Alice qui pourrait résumer le spectacle : « Entre réalité et imaginaire, visible et invisible ». C’est peut-être ce que symbolise l’écran, un entre-deux, entre la scène et les projections, entre le théâtre et le cinéma, entre la vie et le rêve. Le direct de cette représentation construit ainsi une sorte de mise en abîme née de la contrainte liée à la crise sanitaire – c’est en effet à travers nos écrans que nous assistons à la représentation de ces mondes imaginaires. Une virtualité de plus pour un spectacle qui questionne la frontière du rêve et du réel et affirme la force de l’imaginaire devant un monde énigmatique et incertain.

La représentation en direct de Alice traverse le miroir fait partie d’une initiative du Théâtre de la Ville nommée « Noël solidaire ». Emmanuel Demarcy-Mota explique : « Né d’une idée conjointe avec la Ville de Paris, ce Noël solidaire offre un éventail de propositions artistiques en cette fin d’année si particulière. »[3] En effet, le Théâtre de la Ville propose plusieurs ateliers destinés aux étudiants, aux écoliers, aux personnes âgées… On y trouve une proposition novatrice : les consultations poétiques et scientifiques. Imaginées par Emmanuel Demarcy-Mota, Fabrice Melquiot et le collectif artistique, les consultations poétiques se sont elles aussi réinventées pour s’adapter à la situation sanitaire. Pendant cette période, plus de cent artistes français et étrangers sont réunis pour proposer un échange inattendu au téléphone, une lecture d’un poème, une chanson[4]

Et puis, au cœur du projet, il y a « Les directs »du Théâtre de la Ville, une initiative d’un « théâtre ouvert et solidaire auprès des personnes isolées, fragilisées, des personnes âgées et de la jeunesse »[5]. C’est un pari réussi pour la troupe de Demarcy-Mota, qui explique au début d’une représentation :

« Ces directs nous ont permis de toucher des publics très lointains, plus de 1000 écoles se sont connectées, 400 chambres d’hôpitaux ont été avec nous et c’est donc dans cet esprit que nous continuons à vous présenter ce spectacle. »

Ces initiatives du Théâtre de la Ville sont évidemment une des multiples réponses qu’ont tenté d’apporter les théâtres à la crise sanitaire qui a interrompu les spectacles prévus et leur programmation. Peut-être encore plus que les représentations, c’est le lien entre les artistes et les spectateurs que ces initiatives tentent de maintenir. Ne pas se résigner. La crise sanitaire liée au Covid-19 et les terribles contraintes qui en découlent obligent les artistes et directeur·trices de théâtre à se poser la question : comment repenser les projets et le spectacle vivant ? Comment redonner un élan créatif et solidaire ? D’ailleurs, le faut-il ?

Demarcy-Mota et son équipe semblent affirmer que oui et qu’il est de leur responsabilité, à l’égard des artistes, mais aussi et surtout des spectateurs, d’inventer des réponses, même provisoires. Certes, un direct ne remplace pas une salle pleine, ne remplace pas l’expérience unique de la présence de l’acteur, du lieu et du temps partagés de la représentation. Néanmoins, le fait que ces objets filmés, nommés « directs », soient diffusés précisément à l’heure de la représentation, oblige le spectateur à retrouver une des conditions du spectacle vivant : le temps partagé. À défaut de l’espace. Ainsi, l’équipe du Théâtre de la Ville, comme en témoigne ce direct de Alice traverse le miroir, réinvente, dans la contrainte, un objet théâtral ou plus exactement un objet qui porte la trace de la représentation théâtrale, à la fois film car capté par des caméras et visionné sur des écrans, et représentation théâtrale qui se joue sur une scène dans le même temps que nous la regardons. Cet objet tente assurément de maintenir et réinventer le lien avec le spectateur.

Dans le programme disponible en ligne (à défaut d’être distribué dans la salle), Demarcy-Mota cite une phrase de Baudelaire qui sonne comme une profession de foi : « L’imagination est la plus scientifique des facultés »[6]. Associer l’imagination à la science et en affirmer la puissance est, en quelque sorte, un acte politique. Le spectacle Alice traverse le miroir, destiné à tous, enfants comme adultes, est, on l’a vu, une réflexion sur le pouvoir de l’imaginaire ; sa diffusion en direct l’après-midi du 31 décembre 2020 est donc un geste artistique qui se double d’un geste politique. L’imagination est une nécessité (dans une société qui l’a occultée en ces temps de crise sanitaire) semble nous dire Alice. Et avec elle, Demarcy-Mota et l’équipe du Théâtre de la Ville.

On peut noter que l’initiative de Demarcy-Mota n’est en rien unique et que la plupart des grands théâtres nationaux ont tenté d’apporter des réponses pour affronter la crise. La Comédie-Française, par exemple, a organisé et filmé de nombreuses lectures d’œuvres, là aussi en montrant en quelque sorte les « coulisses » de la représentation, une lecture autour d’une table, mais aussi en dévoilant les caméras, les techniciens et le dispositif filmique. D’autres ont exploré des formats numériques d’un type nouveau, tel Arthur Nauzyciel au TNB qui a repris son spectacle d’après la pièce de Jean Genet, Splendid’s, avec des comédiens isolés dans des pays différents qui jouaient et interagissaient via le réseau Zoom, réinventant totalement la forme de ce spectacle. D’autres ont préféré ne pas filmer, ne pas « faire semblant », affirmant l’unicité de l’expérience théâtrale, irremplaçable. Ainsi on a pu lire une tribune du metteur en scène Jean-Louis Martinelli dans le journal Le Monde, qui disait :

« Je ne veux plus du théâtre sur mon iPhone, des poèmes Facebook, du Racine ou du Proust instagramisés. Je sais plus que jamais pourquoi j’ai choisi de mettre en scène : chercher avec des humains pour raconter à d’autres. »[7]

Dans l’expression « spectacle vivant », ils ont choisi de mettre l’accent sur le terme « vivant ». Wajdi Mouawad au Théâtre de la Colline a écrit et diffusé quotidiennement un texte pendant le premier confinement, disponible en podcast, réflexions d’un auteur confronté à une crise unique du théâtre, de l’existence et du monde et qui met en relation ce que nous vivons avec les mythes ; sur le site du théâtre on trouve des échanges entre auteurs et autrices de théâtre pendant 57 jours, des formes différentes qui tentent de réfléchir à la crise[8]. Tous, à leur façon, affirment la puissance de l’esprit et de la poésie.

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Alice traverse le miroir est un spectacle qui n’a pas été créé pendant la crise sanitaire, mais il est évident que son propos sur le temps et l’imagination prend un sens particulier dans cette période. On pense à cette phrase prononcée par Dorothy : « le temps, c’est ce qui passe quand rien ne se passe. »Proposer semblable création durant cette période n’est pas anodin, Demarcy-Mota s’adresse d’abord « aux plus fragilisés, aux plus isolés » et leur propose de rêver, et de dépasser les limites de leur propre imagination. Le spectacle, le fait de continuer à jouer Alice dans ces temps difficiles, apparaît alors comme une réponse politique, qui affirme la nécessité de l’imagination comme une dimension nécessaire à l’existence. 

On le sait, le langage du théâtre, depuis de nombreuses années, s’est nourri de celui du cinéma. Les mises en scène ont emprunté aux techniques et au langage cinématographique déjà bien avant la crise sanitaire. Les confinements successifs ont contraint les théâtres qui voulaient partager leurs créations avec un public, à sortir de la salle de spectacle, notamment à travers des captations et des diffusions sur écran. Le direct de Alice traverse le miroir est une réponse à la fois politique et esthétique, qui explore la frontière entre le rêve (le virtuel ?) et le réel et dont les projections scéniques prolongent le merveilleux et l’illusion. Qui sont aussi ceux du cinéma. De la Laterna magica. C’est donc un spectacle qui se prête particulièrement à une telle diffusion. On sait que ce n’est pas le cas de tous. Néanmoins, on peut supposer que ces contraintes liées à la crise auront probablement des conséquences esthétiques. On peut supposer que ces captations qui ont obligé les metteurs en scène de théâtre à utiliser davantage le langage du cinéma auront une influence sur le théâtre à venir.


NOTES

[1] Emmanuel Demarcy-Mota, « La puissance du rêve », programme du spectacle.

[2] Ibid.

[3] Emmanuel Demarcy-Mota, « Noël solidaire », communiqué sur le site du Théâtre de la Ville.

[4] Sur ce sujet, voir l’article consacré au Théâtre de la Ville par La servante : https://laservante.hypotheses.org/194

[5] Emmanuel Demarcy-Mota, « Noël solidaire », art. cité.

[6] Charles Baudelaire, Lettre à Toussenel du 21 janvier 1856.

[7] Jean-Louis Martinelli, « Je ne veux plus du théâtre sur mon iPhone, des poèmes Facebook, du Racine ou du Proust instagramisés », Le Monde, 1er janvier 2020.

[8] Sur ce sujet, voir l’article consacré au Théâtre de la Ville par La servante : https://laservante.hypotheses.org/194

Image en couverture : Alice traverse le miroir
Texte de Fabrice Melquiot d’après Lewis Carroll
Mise en scène d’Emmanuel Demarcy-Mota
Création au Théâtre de la Ville en décembre 2019
@ Jean-Louis Fernandez


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
La servante (12 janvier 2021). Alice traverse le miroir. La servante. Consulté le 22 juillet 2024 à l’adresse https://doi.org/10.58079/qqko


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