Entretien avec Marion Siéfert

Propos recueillis le 3 février 2018

Le film diffusé pendant le spectacle change-t-il à chaque représentation ?

Le film change d’un théâtre à l’autre, mais pas d’un soir à l’autre. À chaque nouveau lieu de représentation, je regarde les profils Facebook des personnes qui vont voir le spectacle, je remanie le texte, j’enregistre à nouveau ma voix et je refais le montage, ce qui représente beaucoup de travail. Cela dit, certains éléments restent fixes. Il m’arrive de trouver des matériaux suffisamment intéressants pour qu’ils restent dans le spectacle d’un théâtre à l’autre… jusqu’à ce que des matériaux encore plus intéressants viennent les remplacer.

Le discours politique qui émane du film – par exemple, sur Macron et la contestation de sa politique ou encore sur les violences policières – change-t-il en fonction des lieux de représentation ou reste-t-il identique ?

Dans la fiction, je suis une étrangère qui ne connaît personne ; j’ai donc un regard très naïf. Mais le spectacle me permet aussi de faire un travail d’historienne. Mon point de vue n’est ni neutre, ni objectif, et je me permets de mettre en valeur ce qui me semble important. Bien sûr, dès que je trouve des éléments de contestation politique et sociale au cours de mes recherches sur Facebook, je m’en sers. Cela me semble d’autant plus important que le spectacle traite de la question de la surveillance et que c’est cette question qui lui donne son unité sur le plan dramaturgique : la surveillance qu’exerce mon personnage sur les spectateurs entre en écho avec la surveillance exercée aujourd’hui par l’État. Mon personnage lui-même est très contrôlé. Il se surveille lui-même. La ville où a lieu la représentation influe néanmoins sur l’écriture de cette histoire. À Tours, par exemple, les manifestations contre la loi travail étaient vraiment de faible ampleur, mais j’avais trouvé une fille qui en parlait beaucoup. Je l’ai donc intégrée au spectacle et je l’ai valorisée. Le contexte implique également des variations : pour Tours, toujours, il s’agissait de l’entre-deux-tours et tout le monde se battait pour savoir s’il allait voter ou pas. Et puis il y a ce que je vois, ce que je ne vois pas et ce que je devine. Dans la représentation d’hier, les collégiens et les lycéens d’Aubervilliers constituaient un bon tiers du public. J’avais beaucoup de matériaux sur eux, mais je n’ai trouvé aucun discours politique pendant mes recherches. Ils ne partagent pas leurs convictions sur les réseaux sociaux, mais cela ne signifie pour autant pas qu’ils n’en ont pas. Hier, j’ai redécouvert mon texte avec eux : ils ont fait brusquement silence lorsque j’ai parlé de la mort d’Adama Traoré, des violences policières, des expulsions de migrants. C’était très beau pour moi de sentir cette solidarité se construire entre ceux qui avaient partagé ces posts et ces jeunes d’Aubervilliers, qui acquiesçaient calmement. J’ai découvert que le spectacle pouvait créer cela : rassembler des énergies isolées et dire à haute voix ce que chacun tait trop souvent –Dans la fiction, je suis une étrangère qui ne connaît personne ; j’ai donc un regard très naïf. Mais le spectacle me permet aussi de faire un travail d’historienne. Mon point de vue n’est ni neutre, ni objectif, et je me permets de mettre en valeur ce qui me semble important. Bien sûr, dès que je trouve des éléments de contestation politique et sociale au cours de mes recherches sur Facebook, je m’en sers. Cela me semble d’autant plus important que le spectacle traite de la question de la surveillance et que c’est cette question qui lui donne son unité sur le plan dramaturgique : la surveillance qu’exerce mon personnage sur les spectateurs entre en écho avec la surveillance exercée aujourd’hui par l’État. Mon personnage lui-même est très contrôlé. Il se surveille lui-même. La ville où a lieu la représentation influe néanmoins sur l’écriture de cette histoire. À Tours, par exemple, les manifestations contre la loi travail étaient vraiment de faible ampleur, mais j’avais trouvé une fille qui en parlait beaucoup. Je l’ai donc intégrée au spectacle et je l’ai valorisée. Le contexte implique également des variations : pour Tours, toujours, il s’agissait de l’entre-deux-tours et tout le monde se battait pour savoir s’il allait voter ou pas. Et puis il y a ce que je vois, ce que je ne vois pas et ce que je devine. Dans la représentation d’hier, les collégiens et les lycéens d’Aubervilliers constituaient un bon tiers du public. J’avais beaucoup de matériaux sur eux, mais je n’ai trouvé aucun discours politique pendant mes recherches. Ils ne partagent pas leurs convictions sur les réseaux sociaux, mais cela ne signifie pour autant pas qu’ils n’en ont pas. Hier, j’ai redécouvert mon texte avec eux : ils ont fait brusquement silence lorsque j’ai parlé de la mort d’Adama Traoré, des violences policières, des expulsions de migrants. C’était très beau pour moi de sentir cette solidarité se construire entre ceux qui avaient partagé ces posts et ces jeunes d’Aubervilliers, qui acquiesçaient calmement. J’ai découvert que le spectacle pouvait créer cela : rassembler des énergies isolées et dire à haute voix ce que chacun tait trop souvent – par lassitude, par peur, par difficulté de trouver les bons mots. Je dois aussi dire que la pièce se fait le reflet du travail d’un théâtre avec son public, des convictions qu’il porte. C’était particulièrement frappant à La Commune d’Aubervilliers.

La photo de profil de Ziferte

La représentation d’hier était manifestement beaucoup plus mouvementée que celle d’aujourd’hui : lors de votre passage parmi les spectateurs, les réactions ont-elles beaucoup varié d’un soir à l’autre ?

Hier, c’était électrique. Ils étaient morts de rire dès que je suis entrée sur scène. Ils me fuyaient du regard, étouffaient des rires nerveux quand je les touchais. Ils s’interpelaient d’un bout à l’autre de la salle quand ils se reconnaissaient. Il y avait cette atmosphère d’adolescents en ébullition. Ce soir, c’était tout autre chose : une ambiance très concentrée, intérieure. Nombreux sont ceux qui ont essayé d’entrer en contact avec moi par le biais de gestes.

Est-ce que vous sentez que les réactions des premières personnes que vous touchez influencent celles des autres ?

Oui, c’est une réflexion que je me suis faite hier. C’était une représentation très forte, j’avais parfois l’impression qu’ils étaient plus forts que moi en terme d’énergie. D’habitude, ça chahute, mais j’ai toujours l’impression que j’arrive à canaliser les différentes énergies, à surfer sur la vague. Hier, je sentais que la vague m’engloutissait. La première personne que j’ai touchée était vraiment nerveuse et riait sans pouvoir s’arrêter. J’avais beau tout essayer, c’était compliqué d’entrer en communication avec elle, ce qui a beaucoup conditionné la suite. Lorsque des spectateurs commencent à faire des gestes pour répondre aux miens et pour communiquer avec mon personnage, les autres continuent souvent à en faire. Les spectateurs sont très attentifs à ce qui se passe dans la salle, et à la manière dont les autres réagissent.

Vous dites que le spectacle porte sur la surveillance. Cela étant dit, entre la qualité de certaines de vos interactions avec les spectateurs et le fait que la communauté qui se constitue à l’écran par le biais des profils Facebook apparaît à la fois comme très créative et très politisée, l’effet général est bien moins anxiogène que ce que l’on peut attendre d’un spectacle sur la surveillance et la façon dont on accepte de diffuser nos données personnelles.

Faire un spectacle anxiogène sur la surveillance aurait été redondant. Quand je choisis de surveiller les gens, je le fais en étant très attentive à ma responsabilité en tant que metteuse en scène. Il s’agit quand même de renverser le rapport de pouvoir entre la scène et la salle. Habituellement, ce sont ceux qui sont sur scène qui se montrent : ils y sont préparés, et les autres les regardent. Ici, à l’inverse, je montre les spectateurs, je les expose sur scène, et c’est un geste qui implique une grande responsabilité, même si je ne travaille que sur les matériaux qui sont publiés en mode public sur Facebook. Mon personnage n’est ami avec personne sur le réseau ! Toujours est-il que je ne veux pas exhiber les spectateurs ou risquer d’avoir un regard surplombant sur eux, de les juger, ça ne m’intéresse pas du tout. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a pas de surveillance, mais elle est faite avec bienveillance. Je m’aperçois en regardant toutes ces images que je dispose d’un stock énorme de données documentaires. La sélection est donc fondamentale. Les personnes qui partagent leurs photos sur Facebook opèrent déjà eux-mêmes une sélection. J’en opère ensuite moi-même une seconde et choisis ce que je trouve le plus beau ou le plus intéressant.On sent quand une image est juste, quand elle frappe ou qu’elle fait image. Je suis nourrie par des films comme ceux de Chris Marker, par l’esthétique du photo-roman : je me demande quelles sont les images les plus suggestives, celles qui stimulent notre imagination. Parfois, ce sont des images de mauvaise qualité, mais je les garde quand même parce qu’elles sont fortes ou frappantes. Parfois, on tombe sur des choses incroyables parce que certaines personnes construisent de vraies mythologies tandis que d’autres ont des obsessions complètement incongrues ! C’est ce qui crée cette beauté, et la sensation d’être ensemble, liés. On a tous l’idée que Facebook est horrible et superficiel. Il me semblait plus intéressant d’explorer les affects qui circulent sur le réseau et ce que j’ai pu, moi, ressentir en regardant ces images.

Photos de profil Facebook de « l’homme aux saucisses »

Pouvez-vous revenir sur la gestuelle surprenante de votre personnage d’extraterrestre ?

Cette gestuelle est issue d’un travail de composition qui a été notamment inspiré par un danseur allemand expressionniste qui s’appelle Harald Kreutzberg. Il a une façon très maniérée de bouger ses mains et prend des poses étranges sur les photos où il apparaît. Cela m’a plu, et j’ai regardé de très nombreuses photos de lui pour préparer le spectacle. J’ai monté le spectacle avec Johannes van Bebber qui fait la création sonore et Matthias Schönijahn qui fait la création lumière : c’étaient mes deux regards extérieurs et ce sont eux qui m’ont aidée à régler cette gestuelle.

Quel rôle joue la chanson de Michel Polnareff, Lettre à France, à la fin du spectacle ?

Le spectacle suit l’histoire fictive de mon personnage. Je ne connais personne, je suis seule, je veux avoir des amis. C’est le cadre que je pose. Il permet aux spectateurs de savoir qu’ils sont face à une histoire et qu’ils ne sont pas seulement épiés par une artiste. C’est ce cadre qui permet le jeu et les interactions avec le public. C’est lui qui me permet aussi d’imposer cette écoute dans la salle. Le personnage de Ziferte est très curieux, il se prépare de manière excessive à la rencontre et finit par trop en savoir. La fin du spectacle pose toutes sortes de questions : qu’est-ce que nous racontons de nous-mêmes ? Comment se raconte-t-on de manière collective et individuelle ? Qu’est-ce qu’on peut savoir de l’autre ? Comment Facebook nous raconte ? À la fin, la rencontre entre mon personnage et les humains est tellement intense qu’elle ne peut pas se poursuivre. Je m’en vais et la chanson est un adieu.

Il y a une séquence onirique dans le spectacle où intervient de la fumée. Pouvez-vous nous en parler ?

Je trouvais cela inspirant de considérer Facebook comme un réservoir de fictions. Il y a d’abord toutes ces biographies qui s’écrivent dans le cadre préformaté par Facebook (on sait quand les gens sont nés, quand ils ont changé de travail, quand ils se sont mariés…). Il y a aussi toutes ces informations qui nous sont données sur les lieux où les gens vivent et sur ceux dont ils viennent. À Aubervilliers, par exemple, il y a l’École des Actes qui accueille migrants et réfugiés, et plusieurs spectateurs étant réfugiés, je voyais ce qui se passait dans leurs pays d’origine. C’est pour cela qu’il y a tout ce passage sur le Soudan dans le spectacle. Ce sont donc toutes sortes de savoirs qui sont accessibles à différents niveaux. Et il y a effectivement ce moment où je quitte le registre de l’énumération pour entrer dans un souvenir qui lui-même se transforme en rêve. On est alors vraiment dans la fiction et la fumée annonce le rêve. J’avais l’impression qu’on avait besoin à ce moment du spectacle d’avoir un temps de détente, de pause. J’essaie d’être conséquente avec tous les moyens du théâtre : la lumière, le son… Le son a un trajet précis pendant le spectacle : ma voix part de la salle puis elle devient enregistrée pour finalement revenir au moment de la chanson. Il y a aussi un travail sur la bande-son du film qui accompagne les images, mais qui contraste aussi avec elles parce qu’elle suit surtout le trajet du personnage. La lumière suit une dramaturgie qui lui est propre : il y les moments où les spectateurs sont complètement plongés dans le noir et peuvent s’immerger dans le film et les moments où ils sont éclairés et peuvent se regarder les uns les autres. Je ne voulais pas seulement utiliser le vidéoprojecteur comme un outil qui sert à projeter des images, mais aussi pour ce qu’il est véritablement : une source lumineuse au même titre que les projecteurs. C’est pour cela que je choisis à un moment de projeter simplement des couleurs. Et la couleur est embellie par la fumée qui lui donne du relief.

Image en couverture  :  2 ou 3 choses que je sais de vous
Conception, texte, mise en scène et performance de Marion Siéfert
Création à la Commune, CDN d’Aubervilliers en février 2018
@ Matthieu Bareyre


OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
La servante (7 janvier 2021). Entretien avec Marion Siéfert. La servante. Consulté le 22 juillet 2024 à l’adresse https://doi.org/10.58079/qqkg


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